Hélène NERAUD
« L’origine du silence »
Exposition du 8 novembre au 10 décembre 2022
Vernissage mardi 8 novembre de 18h à 21h
Hélène Néraud est née en 1986 à Mont Saint Aignan, elle vit et travaille à Rouen.
Diplômée de l’école des Beaux arts de Rouen en 2010, elle mène une pratique artistique qui met en place un dialogue entre peinture, céramique et photographie et qui s’articule autour de la notion d’exploration de la pensée et de la mémoire du paysage, spécifiquement autour des paysages de haute montagne.
Il s’agit donc d’une recherche de reconnaissance, une tentative de mise au point et d’un éclairage sur une exploration presque mystique des territoires de grande solitude
Par ailleurs, la couleur est au cœur de ses préoccupations de forme et d’espace.
La terre, matériau découvert et apprivoisé par l’artiste depuis plus d’une dizaine d’année, est le médium qui lui permet de mettre en volume son rapport à la couleur.
Un matériau auquel elle est profondément attachée, sans être esclave des contraintes techniques qui sont inhérentes à cette matière.
Elle n’entretient pas un rapport d’exclusivité avec elle, au contraire, le dialogue entre ses différents matériaux de prédilection permet de mettre en volume la couleur et son pouvoir d’attraction.
C’est à travers cette transdisciplinarité qu’Hélène Néraud se laisse aller à rêver la couleur, tout en tentant de la révéler pour apprendre à mieux la posséder.
Elle a participé à plusieurs expositions collectives dont :
–Rencontre n°41, La vigie, Nîmes, Autour d’une même terre, Le quadrilatère, Beauvais.
Elle a aussi exposé ses travaux au cours d’expositions personnelles :
Le bout du monde, Le pays où le ciel est toujours bleu,(POCTB), saison de la Borne à Nogent le roi.
L’envers du plan, le pavillon, école d’art de Pantin.
Elle participera en 2023 aux expositions collectives suivantes :
1, 2,3 couleur, Espace Chailloux pour l’art Contemporain, Fresnes et Mac Paris 2023, Espace Bastille, Paris.
http://helene.neraud.free.fr/
Margaux LELIEVRE
« Des cales pour les murs »
Exposition du 27 septembre au 22 octobre 2022
Vernissage mardi 27 septembre de 18h à 21h
Il existe une forme de minimalisme décontracté dans le travail de Margaux Lelièvre. Dans la répétition des formes, précise. Dans le questionnement du temps, dans certains gestes. Celui de l’écalage par exemple, qui revient régulièrement dans son travail, comme inversé, à la manière du kintsugi, pour reconstituer des noix, de différentes sortes. Inverser, encore, une peau de clémentine. Poser un objet fragile, en équilibre sur un autre, qui l’est tout autant. Elle joue, bien sûr, des tensions entre le visible et l’invisible, demande à ce que l’on cherche, un peu, à déceler des choses qui se seraient fondues dans le décor, invite le regardeur à une observation attentive, elle met dans l’équation la perception. Le lourd ne pèse plus rien, des pavés et des briques de ruban adhésif, une étagère en polystyrène, des socles de papier.
L’humour est une composante de son travail, il faut aussi le lire, tout comme l’intelligence et la poésie. Mais il y a une forme de résistance signifiante dans toutes ses installations. A l’instar d’un Claude Cattelain, balayant la jetée dans le fracas des vagues de la mer du Nord, Margaux résiste par la fragilité des choses, la légèreté et l’application à produire des gestes qui paraitraient inutiles à tant de personnes. Des gestes calmes, répétés, qui seraient proches d’une forme de méditation. Des gestes qui ne sont pas virtuoses car elle aborde des domaines trop variés (broderie, dessin, sculpture, gravure, pliage, bricolage etc.) mais ils sont tous d’une si grande application que l’on pourrait les qualifier de sincères.
Il y a en Chine, dans certains parcs publics, des calligraphes qui tracent leurs signes à l’eau sur la pierre, au soleil. Cette calligraphie éphémère et urbaine se nomme le Dishu. Le signe s’anime, se transforme jusqu’à disparaître le temps, rapide, du séchage. On comprend bien là, l’importance du geste. Pour autant, ces signes éphémères qui s’animent n’en sont pas moins oeuvres. Il y a de cela dans le travail de Margaux.
Des cales pour les murs, certainement, c’est le titre qu’elle a choisi, mais aussi des murs pour ses cales, qui méritent toute notre attention.
Alexandre Leger
Septembre 2022
Margaux Lelièvre est née en 1990, elle vit et travaille à Paris.
Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2019, elle est lauréate de plusieurs prix
dont celui du parcours Aparté 2021 pour lequel elle bénéficie d’une résidence de
recherche à la Fondation Thalie, à Bruxelles.
De Rendez-vous en Rendez-vous
Avec Julia DUPONT, Danaë MONSEIGNY, Jeanne RIMBERT
Exposition du 13 au 24 septembre 2022
Vernissage mardi 13 septembre de 18h à 21h
30,6 x 42,6 cm
Maximilien HAUCHECORNE
« Visions »
Exposition du 7 juin au 2 juillet 2022
Vernissage mardi 7 juin de 18h à 21h
Où la lumière du jour se pose-t-elle quand personne ne regarde ? Pendant les périodes de confinement, la plupart d’entre nous ont eu l’occasion d’observer nos espaces domestiques à des moments où ils sont habituellement vides ; l’artiste Maximilien Hauchecorne, basé à Paris, a consciemment profité de ces moments pour explorer davantage l’ombre et la lumière. Une pratique méditative qu’il compare à la respiration, ses compositions reflètent une sensibilité transmise par la vibration organique, des lignes ininterrompues comme un acte de dévotion aux sens.
« Visions » invite le spectateur à partager ce voyage de la lumière à travers les espaces et sur les objets ; le sens métaphysique, une image mentale construite sur un état de méditation, inspiré par les «Scivias» d’Hildegard von Bingen, où elle appelait ses messages divins – ou visions – «les ombres de la lumière vivante». Tout comme le tourbillon Soufi est un acte physique de méditation et les mandalas bouddhistes une représentation de l’univers parfait, Maximilien Hauchecorne se tourne vers des processus trouvés dans le mysticisme pour les comparer à son mouvement répétitif et rythmique
Utilisant l’encre de Chine et la plume, parfois sur un tirage cyanotype, les dessins de Maximilien Hauchecorne commencent par un noir intense, introduisant une géométrie raffinée sur le blanc du papier. L’aube commence par l’obscurité, et l’architecture déploie ainsi une intégration lente et régulière de la lumière, révélant des formes cylindriques aux formes elliptiques variées. Des couches successives de lignes tracées à main levée explorent une préoccupation pour le volume au-delà de ces seules formes, son corpus d’œuvres s’étendant sur une vaste échelle, de 180 cm à la largeur d’une paume. Les cahiers qui se déplient et se déplient à nouveau en une multitude de croquis du monde naturel, imitant la narration du flux de conscience rendue célèbre par «Mrs. Dalloway» de Virginia Woolf.
Dans les eaux-fortes, les vagues de l’océan sont représentées avec la douceur d’une plume, montant et descendant de la page comme une poitrine et un ventre remplis d’air. Ces paysages marins témoignent d’une pratique qui n’est pas confinée à la sécurité d’un environnement contrôlé, mais qui s’adapte et s’étend dans la poursuite de la maîtrise. Son raffinement artistique croît parallèlement à la profondeur spirituelle, manifestant un niveau de précision que l’on confond parfois (de manière quelque peu ironique) avec ce qui doit être généré par ordinateur.
Maximilien Hauchecorne fait un geste vers les irrégularités que la lumière projette dans son travail, des nuances et des motifs tissés dans les superpositions successives, qui sont indéniablement humaines. Inspiré par l’ouvrage « L’Éloge de l’Ombre » de Jun’ichiro Tanizaki, sa pratique témoigne d’une volonté de prendre conscience de la richesse de notre expérience quotidienne, si ces textures et transitions – de l’ombre à la lumière et inversement – peuvent être ressenties dans l’instant vécu.
https://maximilienhauchecorne.com